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Mostrando entradas de mayo, 2021

Jesús Rafael Soto

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 Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923-París, 2005) llegó a Francia en 1950. Al año siguiente participa en el Salon des Réalités Nouvelles donde conocerá a artistas como  Jean Tinguely , Yaacov Agam o Pol Bury. En 1955, Soto y su nuevo grupo de amigos serán convocados por la galerista Denise René para participar en la histórica exposición “ Le mouvement ”, considerada punto de inicio del arte cinético. Jesús Rafael Soto , hacia 1970. Foto:  Lothar Wolleh En aquellos años ya se perfila en el artista venezolano el profundo interés por las nociones de tiempo y movimiento como conceptos esenciales de la sociedad contemporánea que él convertirá en una idea predominante en su obra. Tal como le dijo a Daniel Abadie, en una entrevista para el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 1983: su objetivo era eliminar ese “concepto de obra que fija un momento del Universo para demostrar al contrario que éste es algo en movimiento”. Jesús Rafael Soto.  Desplazamiento de un elemento lum

Robert Ryman, el artista que cambió el jazz por la pintura minimalista

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A principios de los cincuenta, Robert Ryman  (Nashville, Estados Unidos, 1930-Nueva York, 2019) se encuentra en Nueva York decidido a convertirse en músico de jazz. Era tal su motivación que llegó a tomar clases de improvisación con el célebre pianista Lennie Tristano. No obstante, un día Ryman comenzó a experimentar por su cuenta con pigmentos, telas y pinceles para ver lo que podía sacar de esos materiales. De formación autodidacta, en su determinación de dedicarse por completo a las artes visuales influyó el empleo que en aquellos años consiguió como vigilante en un museo: el Museum of Modern Art. Robert Ryman.  Sin título , 1964 Un vigilante que lo miraba todo En una entrevista con Robert Storr, que apareció publicada en el número 17 de la revista  October  (1986), Ryman recordaba esta época en el MoMA: “Yo era muy abierto, aceptaba todo lo que veía. Quiero decir que no rechazaba nada, miraba a cientos de pintores. Claro está que a los gigantes de entonces los miraba más: Matisse,

El color como un nexo vital en la pintura de Hugo Baptista

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El pintor Hugo Baptista (La Grita, Venezuela, 1935) forma parte de una generación de artistas venezolanos que entre las décadas del cincuenta y sesenta se mueve en varias vertientes de estilo: una que sigue la senda de la nueva figuración, otra que explora el arte informal y la que persiste en la abstracción geométrica. En el caso de Baptista, su primera propuesta notable de trabajo se produce entre estas décadas y en ella se observa una predisposición hacia una abstracción lírica basada principalmente en el color, impregnada de un sentido poético que mucho debe a los grupos artísticos y literarios a los que estuvo siempre ligado.  Hugo Baptista. Barcos y gruas , 1958. Galería de Arte Nacional, Caracas La influencia literaria Esta filiación a intelectuales y creadores de otras áreas de la cultura debe mucho también a la actualización estética que tiene lugar en su país y que hará posible un cruce de ideas entre distintas prácticas. En una entrevista hizo ver la importancia que habían t

Marisol Escobar, el pop más humano

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Marisol Escobar fue una escultora estadounidense de origen venezolano, quien hizo de la madera su principal material de trabajo. Su obra se desarrolló principalmente en Nueva York, en particular desde los años sesenta, por lo que su estilo frecuentemente es asociado con el pop art. Sin embargo, en su trabajo sobresalen aspectos ligados a la representación del cuerpo que a veces posee rasgos autobiográficos y otras una elocuente dimensión subjetiva de los personajes que representó. Marisol , 1969. Foto:  Jack Mitchell Ciertamente se pueden identificar influencias de  Jasper Johns  y Robert Rauschenberg, en especial en la incorporación de partes del cuerpo humano hechos en plástico o resina, así como otros objetos encontrados, como elementos que la artista usa en algunos ensamblajes. Marisol.  La Virgen, el Niño, santa Ana y san Juan , 1978.  Galería de Arte Nacional, Caracas Sin embargo, Marisol (París, 1930-Nueva York, 2016) no podría ser catalogada como un referente clásico del pop ar

Jean Tinguely, la realidad más allá del arte y el museo

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Jean Tinguely fue un artista suizo que se ubica en la generación que entre los años cincuenta y sesenta del siglo XX se planteó una alternativa radical, llamada  nuevo realismo , para hacer frente a la abstracción geométrica y el arte informalista. La estrategia para conseguirlo fue hacer de la realidad —una realidad en movimiento que se hallaba fuera del mundo del arte y del museo— el centro de su pensamiento. Este interés se combinó con una versatilidad donde coincidían su condición de artista e intelectual de vanguardia junto con la de una especie de  celebrity , controversial y carismático. Jean Tinguely.  Cyclograveur , 1960. Foto: Lennart Olson Las controversiales máquinas de Tinguely Las obras de Tinguely (Friburgo, 1925-Berna, 1991) resultan muy accesibles, incluso para alguien no familiarizado con el arte moderno. Lo primero que destaca en sus realizaciones es el interés en el movimiento, pero no solo en un sentido físico, sino en el carácter alegre y divertido de sus animadas

El Show de Renny en la mirada de José Sigala

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En 1964, un veinteañero José Sigala se adentró en los estudios de un canal de televisión venezolano para mirar con su lente el trasmundo del programa más popular de aquel entonces. De esta experiencia surgió un atractivo conjunto de fotografías que incorpora marcados contrastes de luz y sombra y puntos de vistas inusuales. La figura emblemática del presentador Renny Ottolina sirvió de eje para introducir esta variante de la   fotografía documental que atiende de una manera humana al discurso de la imagen como espectáculo que recién se afirmaba en Venezuela. José Sigala.  El show de Renny , 1964.  Galería de Arte Nacional, Caracas En este proyecto, José Sigala (Barquisimeto, Venezuela 1940-1995) seleccionó puntos de vistas que parecen extraños a la estética televisiva, miradas que el común de los televidentes jamás podría obtener a través de la pantalla.  Una vez dentro del set, el fotógrafo mantuvo una distancia con respecto a lo que vio. No se concentró en los detalles de las personas

Jasper Johns, otras maneras de mirar

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Jasper Johns (Augusta, Georgia, 1930) es famoso por una pintura donde aparecen una serie de franjas horizontales y un conjunto de estrellas hechos con colores azul, blanco y rojo. La manera como distribuyó esta formas en la superficie del cuadro y el título que le dio,  Flag , hicieron inevitable pensar en la bandera de los Estados Unidos. O no. Jasper Johns.  Flag , 1954-1955.  MoMA ¿Abstracción o figuración? La ambigüedad generada por esta obra y el momento en que su autor la da a conocer terminó por definir la importancia de Johns en la historia del arte. Por una parte, el claro carácter geométrico de su pintura establecía una distancia, casi que una suerte de punto final, con respecto a la fluida gestualidad del expresionismo abstracto que desde mediados de la década del cuarenta marcaba el protagonismo de Estados Unidos en el arte mundial. Pero también, al servirse de una imagen tan formalmente precisa y al mismo tiempo tan conocida, se hacía innecesario tener que definirla como a

Richard Avedon: el estilo y la cultura

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   Richard Avedon . Barbra Streisand , 1965 Si hay algo que no se puede obviar en la fotografía de Richard Avedon (Nueva York, 1923-San Antonio, Texas, 2004) son las soluciones creativas que encontró para distinguir su trabajo.  Esto se aprecia sobre todo en el vínculo que como artista mantuvo con el tema predilecto de su obra: el retrato.  Y es allí, en la relación que entabló con los famosos y desconocidos que posaron para él, donde reside el poder de sus impactantes imágenes. Hacia una visión más fresca del retrato de moda Su carrera abarca dos grandes facetas. En la primera, como fotógrafo de modas para las revistas  Harper's Bazaar  y  Vogue , Avedon se esforzó en crear piezas que se alejaban de ese halo de fría indiferencia que suele predominar en estas imágenes y en obtener del retratado un registro más amable, capaz de emocionar al espectador.  En sus fotografías, las modelos y celebridades se muestran joviales, saltando y bailando, o en poses o composiciones que desafían l

Ary Brizzi: de la oscuridad al destello

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 ¿Qué hace a un artista decidir seguir el camino de la abstracción; y por qué, además, el de la geometría? Las respuestas pueden ser variadas, pero lo cierto es que el universo de la expresión es tan amplio y seductor que es eso precisamente lo que lo movería a prescindir de las referencias materiales que le rodean y concentrarse de manera independiente en el estudio de un “suceso” plástico como sería la forma, el color o la luz. Ary Brizzi.  Fotón 20 , 1978. Acrílico sobre tela, 140 x 140 cm. Colección Banco Provincia Ary Brizzi (Avellaneda, Argentina, 1930-Buenos Aires, 2014) fue un pintor, escultor y diseñador que durante muchos años desarrolló una investigación plástica acerca de la luz. Como se basó particularmente en la pintura, asumió varias condiciones técnicas como son el apego al plano, el uso de la tela como soporte, el acrílico como material y el soplete para aplicarlo. Con estos implementos, el artista profundizó en estructuras elaboradas con formas geométricas —franjas, p

Pop art, la belleza al calor de las masas

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El pop art es una corriente originada en Gran Bretaña y Estados Unidos a mediados de los años cincuenta del siglo XX. Surge como reacción al ambiente elitista que predominaba en el mundo del arte y como respuesta a la rica cultura visual del estilo de vida estadounidense. Se inspiraba en las imágenes provenientes de la sociedad de consumo y la cultura popular, tales como historietas, publicidad y objetos de producción masiva. Las técnicas predominantes en estas obras fueron el fotomontaje, el collage y la serigrafía. Richard Hamilton.  Just what is it that makes today's homes so different, so appealing? , 1956. Kunsthalle Tübingen Un poco de historia Se suele mencionar al crítico británico Lawrence Alloway como el primero en emplear el término "pop", en 1954, para referirse a la influencia que la publicidad estaba ejerciendo en el arte popular. Si bien la palabra se incluye en una obra temprana de Eduardo Paolozzi, es un collage de Richard Hamilton,  Just what is it that