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Mostrando entradas de abril, 2021

Niños haciendo preguntas: la historia de un controvertido mural de Karel Appel

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   Karel Appel.  Vragende Kinderen , 1949. Foto:  rudedo.be En 1949, Karel Appel recibió un encargo para pintar un mural en la cafetería del Ayuntamiento de Ámsterdam. Con 28 años, el artista neerlandés cuestionaba el esquema racional que había predominado en el arte previo a la Segunda Guerra Mundial, y en especial la pintura excesivamente intelectual que encontraba en los trabajos de Piet Mondrian. Según Appel (Ámsterdam, 1921-Zúrich, 2006), aquel era un momento en que había que partir de cero y empezar de nuevo. Su visión de la pintura se inspiraba en un tiempo anterior al desastre de la guerra. Un tiempo primario en la evolución del ser humano, donde antes que la razón se imponía la inocencia, el instinto y la libertad creadora. Appel estaba en realidad pensando en términos de un mundo infantil. Y así, con la imaginación y sensibilidad de un niño, concibió su propuesta para el ayuntamiento. Karel Appel. Vragende Kinderen, 1949. Foto:  sixtensason Pese a sus buenas intenciones, el r

George Steiner: vivir la obra de arte

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En el primer capítulo de su libro  Presencias reales , George Steiner aboga por un recorrido a través de la experiencia creadora como una forma de aprehender el enigma de una obra de arte. Así, en lugar de aproximarse a lo creado desde un discurso orbital, que podría ser propio del ejercicio crítico tradicional, se busca asumir la atención a lo artístico desde la experiencia creadora que le dio origen. En este sentido, el comentario que se podría hacer sobre una obra de arte, es decir, la crítica como suele entenderse, se limitaría a una explicación de tipo histórico y contextual que, paradójicamente, tendría que abstenerse de resultar valorativa. Portada del libro  Presencias reales  de George Steiner, editado por Destino La relación entre arte y vida El planteamiento fundamental de Steiner surge de una profunda relación entre la obra de arte y la vida (entendida esta como una trascendencia), y en el hecho de que la mejor manera de entender una creación  no es a partir de su verbaliza

El método y el instinto definen la obra de Fanny Sanín

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Fanny Sanín es una artista nacida en Bogotá y residenciada en Estados Unidos, cuya obra ha asumido la abstracción geométrica como medio expresivo. Sobre esa base su trabajo explora las relaciones entre color y estructura a partir de un entramado que aúna el método y el instinto, y que resultan en armoniosas obras dispuestas para una contemplación serena. Su propuesta resulta de gran interés en un contexto latinoamericano que insistió en la búsqueda a ultranza de la vibración retiniana y el movimiento. Fanny Sanín.  Acrílico nº 13, 1970 , 1970. Foto:  Los Ángeles County Museum Fanny Sanín (Bogotá, 1938) se formó artísticamente en su Colombia natal y tras algunas estancias en Inglaterra y México recaló definitivamente en Nueva York a principios de los setenta.  Es una creadora comprometida con la pintura y los lenguajes abstractos, cuyo trabajo se ubica a continuación de pioneros de su país como Edgar Negret y Ricardo Ramírez Villamizar. En el contexto regional se ha mantenido independie

Le mouvement, la exposición que marcó el inicio del arte cinético

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 En el París de la postguerra, la galerista Denise René (1913-2012) asumió desde su actividad la promoción de nuevas expresiones para el arte contemporáneo. En la primavera de 1955 inauguró una exposición que tituló “Le mouvement”, la cual, gracias a los aportes de la ciencia al estudio de la energía y a las posibilidades de un mayor impacto y alcance en lo social, abrió caminos para el relanzamiento definitivo del arte abstracto geométrico. Exposición Le mouvement. Galerie Denise René. París, 1955. Foto:  Centre Pompidou La muestra incluyó la obra de artistas que iniciaban su trayectoria como Yaacov Agam, Pol Bury,  Jesús Rafael Soto , Jean Tinguely y Victor Vasarely, junto con otros ya consolidados como Alexander Calder y Marcel Duchamp. Aquella lista proponía un diálogo de generaciones que favorecía el sentido de continuidad dentro de la historia del arte, y a su vez legitimaba las investigaciones de los creadores más jóvenes. Mediante el fomento de las ilusiones ópticas y las impre