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Jesús Rafael Soto

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 Jesús Rafael Soto (Ciudad Bolívar, Venezuela, 1923-París, 2005) llegó a Francia en 1950. Al año siguiente participa en el Salon des Réalités Nouvelles donde conocerá a artistas como  Jean Tinguely , Yaacov Agam o Pol Bury. En 1955, Soto y su nuevo grupo de amigos serán convocados por la galerista Denise René para participar en la histórica exposición “ Le mouvement ”, considerada punto de inicio del arte cinético. Jesús Rafael Soto , hacia 1970. Foto:  Lothar Wolleh En aquellos años ya se perfila en el artista venezolano el profundo interés por las nociones de tiempo y movimiento como conceptos esenciales de la sociedad contemporánea que él convertirá en una idea predominante en su obra. Tal como le dijo a Daniel Abadie, en una entrevista para el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en 1983: su objetivo era eliminar ese “concepto de obra que fija un momento del Universo para demostrar al contrario que éste es algo en movimiento”. Jesús Rafael Soto.  Desplazamiento de un elemento lum

Minimalismo, hacia un arte sin ambigüedades

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  Donald Judd.  Sin título , 1980. Tate Modern El minimalismo es una corriente artística surgida en Nueva York, que tuvo especial protagonismo entre 1963 y 1965. En ella predominan las estructuras geométricas en apariencia simples, cuyas formas, usualmente de colores, sobresalen del muro y se integran en el espacio expositivo, ampliando las dimensiones sensibles del espectador. El término, acuñado por el filósofo Richard Wollheim en 1965, no gozó de la total aceptación de los artistas adeptos a esta corriente, quienes lo encontraron demasiado asociado a un arte simplista o sin contenido. Parte de la crítica y el público también calificó las obras como frías y, en general, alejadas de lo que podía considerarse arte en ese momento. No obstante, la ampliación de las fronteras del arte luego de la segunda mitad del siglo XX hizo posible encontrar experiencias estéticas trascendentes en la manera diáfana y sin ambigüedades de tratar los materiales y disponer las formas geométricas. Pero lo

Lamis Feldman

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En 1955, Lamis Feldman (Maracaibo, Venezuela, 1936) trabajaba como operadora de teletipo en la petrolera Shell. Aquel año se interesó por el esmalte y se hizo con los materiales necesarios para comenzar a producir sus primeras piezas. Son tiempos en que aún sin cumplir los veinte años comparte esta vocación incipiente con el teatro, la danza y la música. Lamis Feldman.  Omphalos , 1972. Esmalte sobre metal. 6,2 x 5,6 x 5,6 cm. Galería de Arte Nacional, Caracas Establecida en Caracas desde finales de los cincuenta, en 1966 visita la exposición de cerámica “Del Pierre, Hamada, Leach” en el Museo de Bellas Artes. Esta muestra, que reunió la obra de tres de los ceramistas más importantes de entonces, marcará su trabajo. En esta época se interesa también en la artesanía indígena y popular y en aspectos simbólicos del arte precolombino. Incursiona además en el paisajismo, donde destaca con el austero diseño del patio interno del Museo de Bellas Artes, basado en el protagonismo sobrio  de un 

Robert Ryman, el artista que cambió el jazz por la pintura minimalista

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A principios de los cincuenta, Robert Ryman  (Nashville, Estados Unidos, 1930-Nueva York, 2019) se encuentra en Nueva York decidido a convertirse en músico de jazz. Era tal su motivación que llegó a tomar clases de improvisación con el célebre pianista Lennie Tristano. No obstante, un día Ryman comenzó a experimentar por su cuenta con pigmentos, telas y pinceles para ver lo que podía sacar de esos materiales. De formación autodidacta, en su determinación de dedicarse por completo a las artes visuales influyó el empleo que en aquellos años consiguió como vigilante en un museo: el Museum of Modern Art. Robert Ryman.  Sin título , 1964 Un vigilante que lo miraba todo En una entrevista con Robert Storr, que apareció publicada en el número 17 de la revista  October  (1986), Ryman recordaba esta época en el MoMA: “Yo era muy abierto, aceptaba todo lo que veía. Quiero decir que no rechazaba nada, miraba a cientos de pintores. Claro está que a los gigantes de entonces los miraba más: Matisse,

El color como un nexo vital en la pintura de Hugo Baptista

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El pintor Hugo Baptista (La Grita, Venezuela, 1935) forma parte de una generación de artistas venezolanos que entre las décadas del cincuenta y sesenta se mueve en varias vertientes de estilo: una que sigue la senda de la nueva figuración, otra que explora el arte informal y la que persiste en la abstracción geométrica. En el caso de Baptista, su primera propuesta notable de trabajo se produce entre estas décadas y en ella se observa una predisposición hacia una abstracción lírica basada principalmente en el color, impregnada de un sentido poético que mucho debe a los grupos artísticos y literarios a los que estuvo siempre ligado.  Hugo Baptista. Barcos y gruas , 1958. Galería de Arte Nacional, Caracas La influencia literaria Esta filiación a intelectuales y creadores de otras áreas de la cultura debe mucho también a la actualización estética que tiene lugar en su país y que hará posible un cruce de ideas entre distintas prácticas. En una entrevista hizo ver la importancia que habían t

Marisol Escobar, el pop más humano

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Marisol Escobar fue una escultora estadounidense de origen venezolano, quien hizo de la madera su principal material de trabajo. Su obra se desarrolló principalmente en Nueva York, en particular desde los años sesenta, por lo que su estilo frecuentemente es asociado con el pop art. Sin embargo, en su trabajo sobresalen aspectos ligados a la representación del cuerpo que a veces posee rasgos autobiográficos y otras una elocuente dimensión subjetiva de los personajes que representó. Marisol , 1969. Foto:  Jack Mitchell Ciertamente se pueden identificar influencias de  Jasper Johns  y Robert Rauschenberg, en especial en la incorporación de partes del cuerpo humano hechos en plástico o resina, así como otros objetos encontrados, como elementos que la artista usa en algunos ensamblajes. Marisol.  La Virgen, el Niño, santa Ana y san Juan , 1978.  Galería de Arte Nacional, Caracas Sin embargo, Marisol (París, 1930-Nueva York, 2016) no podría ser catalogada como un referente clásico del pop ar

Jean Tinguely, la realidad más allá del arte y el museo

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Jean Tinguely fue un artista suizo que se ubica en la generación que entre los años cincuenta y sesenta del siglo XX se planteó una alternativa radical, llamada  nuevo realismo , para hacer frente a la abstracción geométrica y el arte informalista. La estrategia para conseguirlo fue hacer de la realidad —una realidad en movimiento que se hallaba fuera del mundo del arte y del museo— el centro de su pensamiento. Este interés se combinó con una versatilidad donde coincidían su condición de artista e intelectual de vanguardia junto con la de una especie de  celebrity , controversial y carismático. Jean Tinguely.  Cyclograveur , 1960. Foto: Lennart Olson Las controversiales máquinas de Tinguely Las obras de Tinguely (Friburgo, 1925-Berna, 1991) resultan muy accesibles, incluso para alguien no familiarizado con el arte moderno. Lo primero que destaca en sus realizaciones es el interés en el movimiento, pero no solo en un sentido físico, sino en el carácter alegre y divertido de sus animadas