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El quiebre del género en la obra de Humberto Rivas

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Humberto Rivas.  Mercé , 1986 Dos imágenes persisten tras visitar la exposición de Humberto Rivas (Buenos Aires, 1937-Barcelona, 2009) en el Centre Cultural La Nau, de Valencia. Por una parte, están los rostros que se ofrecen cercanos, diáfanos y luminosos al espectador. Por la otra, se reiteran locales y viviendas con puertas y ventanas cerradas, en calles esquinadas, bajo una penumbra matutina o nocturna. Los rostros son en su mayoría de personas (también hay algunas caras de animales). Sin embargo, en la sala, el rótulo sólo los identifica por su nombre, cuestionando el protagonismo que predomina con frecuencia en este tipo de registros. Las fotografías de los inmuebles son escenas urbanas y al igual que en los retratos, el autor tiende a los encuadres cerrados. Aquí el rótulo suele mencionar el topónimo respectivo, pero es poco lo que se distingue de una ciudad en particular. Surge entonces la sensación de que los retratos y los paisajes no son lo que deberían ser. Hay un quieb

Catálogo razonado de los Coloritmos de Alejandro Otero

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Realizados por el venezolano Alejandro Otero a mediados de la década del cincuenta, los Coloritmos marcaron un hito en el devenir del arte moderno latinoamericano del siglo XX. A lo largo de su vida, Otero describió y comentó estos vistosos tablones en entrevistas y libros de arte. Sin embargo, más allá de esas declaraciones, que luego de su muerte fueron replicadas en otras publicaciones, era insuficiente lo que se sabía acerca de estas pinturas. En realidad, hasta ahora no se contaba con un documento que aclarara las dudas e interpretaciones surgidas entre especialistas, coleccionistas y público en general acerca del origen, desarrollo y destino de las obras que conforman esta serie. El catálogo razonado de los Coloritmos El libro  Los coloritmos de Alejandro Otero. Catálogo razonado  trata sobre este importante capítulo del arte moderno americano trata. Es el primer estudio en profundidad que reúne, en un volumen magníficamente editado, los resultados de la investigación de casi dos

Una memoria íntima de Caracas

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Su único interés parecía puesto en rescatar de los márgenes a figuras que se perdían en la nada, en devolverlas a la historia, quizá para mostrar que las sombras de los márgenes son las que determinan cómo será la luz del centro. Tomás Eloy Martínez. “Sebald o el lugar de la conciencia”. El proyecto “Caracas: memoria íntima” reúne testimonios de una ciudad que para muchos tal vez resulte desconocida. Esto quizás se deba a que varios de sus sitios emblemáticos se han desfigurado por causas urbanísticas o porque el fluido acceso a tales lugares se halla constreñido como consecuencia del devenir político y social que en las últimas décadas nos define. Provenientes de fotografías ubicadas en archivos privados, estos testimonios ofrecen una narración inacabada de los afectos que alguna vez se hicieron públicos entre los habitantes de esta urbe. Esta intimidad se manifiesta en las experiencias personales presentes en cada imagen, pero también en la coincidencia de miradas entre quienes apare

Víctor Julio González, bandera lejana

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En el arte actual, las referencias para intentar elaborar una interpretación del mundo se deslizan audazmente a través de proposiciones que superan los antiguos enclaves del estilo, la tendencia y el movimiento. Con ello se expone el decaimiento del substrato teórico que durante el siglo XX sirvió para erigir ilusorias parcelas donde se agrupaban geómetras tenaces, defensores del gesto incontrolado, militantes de una pintura social o cultores de una mirada edénica de nuestro entorno. El trabajo más reciente de Víctor Julio González (Valencia, Venezuela, 1965) constituye un valioso ejemplo de esa recuperación de señales que aluden sin complejos a una tradición artística expresada en el paisaje y en sus convenciones técnicas y materiales. Sin embargo, en su caso, tales indicios se convierten en un sugerente medio de apariciones oníricas, de ambiguas e inciertas postales de un prolongado viaje interior, que en otro contexto habría quedado velado como una manifestación del inconsciente. La

Cerámica venezolana 1955 - 2008. Colección Mercantil

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La exposición "Cerámica venezolana" reúne aproximadamente ciento cincuenta obras pertenecientes a la Colección Mercantil, realizadas entre 1955 y 2008 por un significativo grupo de artistas venezolanos. La muestra está organizada a partir de diez modelos conceptuales que proporcionan pistas para la comprensión de nuestra cerámica y las relaciones de armonía y tensión que estableció en su búsqueda de la forma artística. Destacan en la selección notables piezas poseedoras de una clara voluntad utilitaria, junto con otras que exploran las posibilidades tridimensionales de la escultura, y las que finalmente abordan la amplitud espacial más decidida de las instalaciones. Desde su confirmación en Venezuela como una disciplina con claros alcances artísticos, la cerámica ha logrado momentos de esplendor en la historia del arte nacional y más allá de nuestras fronteras. Especialmente entre las décadas del cincuenta y noventa del siglo XX, se produjo una efervescencia investigativa y c

Ramón Vásquez Brito: lejanías de silencio

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Ramón  Vásquez Brito.  La blancura de su esencia palpita en la soledad , 1996. Hotel Venetur Margarita, Nueva Esparta, Venezuela El pintor Ramón Vásquez Brito (Porlamar, Venezuela, 1927-2012) destaca por su singular aporte a la conformación de una representación de un paisaje de profunda raigambre humanista. La escena marina que se reitera en sus lienzos acoge contenidos que trascienden la inmediatez de la mirada y se adentran en una simbología de emotivos alcances poéticos, originados de una visión memoriosa de la isla de Margarita. Esta obra corresponde a una etapa en la cual el artista ha consolidado un lenguaje propio que favorece la visión sensible del entorno a través de la pintura. Partiendo del paisaje marino, Vásquez Brito se vale de grandes formatos que insinúan el espacio de la costa, el horizonte y el cielo a través de franjas horizontales, donde el tema casi desaparece para convertirse en una realidad trascendente del motivo insular que fue su origen. Vásquez Brito

Omar Carreño: la pintura en el espacio

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Omar Carreño. Policromía para el edificio de la Facultad de Odontología, Ciudad Universitaria de Caracas, 1957 Fotografía: Rodrigo Benavides El arte de vanguardia del futuro no estará en los muros, ni mucho menos en las computadoras, y es posible que ni siquiera en la Tierra sino fuera de ella, pero para ella, para el ser humano, para la paz. Omar Carreño I En Omar Carreño se compendia un capítulo de nuestra historia  de las artes visuales que ofrece una perspectiva poco frecuente al estudio de la abstracción geométrica latinoamericana. Desde muy temprano, su posición como creador se forjó en el deseo de ubicar la obra en una corriente de pensamiento que trascendiera lo estrictamente plástico, y que sin negarlo se mostrara atenta a los cambios que demarcaban los avances de la ciencia y su impacto en la filosofía y los modos de organización del ser humano en sociedad. Ideas de esta índole llamaban la atención de aquel joven artista en los años que inauguraban la década del cincuenta,